Feito para pegar quem é fã da franquia, o vídeo faz muito bem seu trabalho,apostando nas piadas idiotas de sempre e muita nostalgia. Além da mãe do Stifler, claro.

A direção e o roteiro são da dupla Jon Hurwitz e Hayden Schlossberg (de “Madrugada Muito Louca”).

O filme estreia em abril.

Veja “The Scratist” com o esquilo Scrat mudo e em preto e branco.

“A Era do Gelo 4″ chega aos cinemas brasileiros dia 29 de junho.

“Motoqueiro Fantasma: Espírito de Vingança” é o segundo filme do herói com cabeça de fósforo. Mas não é uma continuação. E também não é um reboot. É… simplesmente um filme do Motoqueiro Fantasma.

A produção não exclui os acontecimentos do longa de 2007, porém, não se importa nem um pouco com eles. Até a origem do personagem (principalmente a parte do pacto) é alterada. Recontada de maneira bem rápida (com recortes parecendo quadrinhos e artes indie), aqui Johnny Blaze não faz um acordo com Mephisto, e sim com o próprio Capeta em pessoa. Entretanto essa afirmação é contornada quando mencionam que o Diabo “pode ter várias faces e nomes”.  E é por isso que aqui ele é interpretado por Ciarán Hinds, sem destaque nenhum.

Em “Espírito de Vingança”, Blaze tem que salvar um garotinho chamado Danny (uma referência a Danny Ketch, o segundo Motoqueiro Fantasma nos quadrinhos), filho do Demônio com Nadya (Violante Placido), uma mulher normal que fez um pacto parecido com o de Johnny. Em troca por sua “missão”, Blaze seria curado de sua maldição. O responsável por apresentar essa possibilidade de cura e por servir de parceiro para o Motoqueiro durante o filme é o padre bêbado Moreau, interpretado por Idris Elba, disparado o melhor ator do filme.

Danny (Fergus Riordan)é perseguido por todos:  pelo pai, pelo vilão Blecaute (Johnny Whitworth que está triste de tão ruim), por uma seita de monges que vivem no deserto e têm tatuagem na cara. Mas o final é mais do que previsível e o desfecho da história já fica óbvio no décimo minuto de película.

Nojinho.

“Motoqueiro Fantasma: Espírito de Vingança” possui vários pontos positivos, sendo o principal ser melhor do que o filme de 2007 (não fez mais do que obrigação, ficaria surpreso se fosse pior). O efeito da caveira em chamas está muito realista e é cool, enquanto as cenas de ação, apesar de nada originais, conseguem empolgar (obra de Mark Neveldine e Brian Taylor, que utilizaram toda a bagagem de referências a filmes de ação dos anos 90). Com câmeras gravando rente ao chão, o filme destoa e muito do gênero “super-herói” que os fãs estão acostumados. E isso até que é bom. Azar dos ortodoxos. Sem dizer que funciona bem em 3D e se livra dos  romances desnecessários, do tom de “Motoqueiro Metaleiro” presente no primeiro filme e de piadas idiotinhas como as jujubas de Johnny e o fascínio por macacos.

O problema é que os pontos negativos se sobrepõem ao que há de bom no filme. Começando pela personalidade do Motoqueiro Fantasma, que virou uma espécie de ser incontrolável e psicótico que acabou de tomar LSD e ficou cheio de tiques nervosos. O filme também ganha um clima de terror que não convence. A ideia de transformar o motoqueiro num “monstro” até que foi boa, mas mal executada. Sem dizer que, se você assistiu aos filmes do Stallone nos anos oitenta e noventa, ou até mesmo ao trailer de o “Espírito de Vingança”, já sabe todas as cenas de ação que aparecem no filme.

Como se isso não bastasse, os diálogos são péssimos. Acredite, dá vontade de apertar o “mute” e ficar vendo apenas a ação cheia de fogo, explosão, tiros de lança foguetes e automóveis demoníacos gigantescos. Blaze está menos palerma do que no primeiro, mas ainda assim os roteiristas não conseguiram achar uma personalidade para ele: não sabem se ele é engraçado, sério, perdido, psicótico ou canastrão, daí vira uma mistura disso tudo, mal interpretado por Nicolas Cage, que até se esforça, mas tanto pela sua limitação quanto pelo mau roteiro não consegue fazer muita coisa para ajudar.

O resultado de tudo isso é um filme de ação sincero. Ponto. Mas isso não o deixa com crédito para uma continuação. “Espírito de Vingança” termina com um gancho tremendo, e se o terceiro seguir a linha mostrada nos últimos minutos, conseguirão afundar a série de vez. O melhor, para o estúdio, o personagem e todos os envolvidos, seria parar por aqui mesmo.

Em mais um crossover de “Grey’s Anatomy” e “Private Practice”, a Dra. Amelia Sheperd (personagem fixa na série da Dra. Addison) visita o irmão Derek em Seattle para consultá-lo a respeito de… adivinhem! Mais um tumor inoperável. Amelia, recentemente recuperada de uma recaída no vício das drogas receitadas não consegue aceitar a idéia de que não pode fazer nada.

Enquanto isso, todos os residentes já tem um parceiro de estudos para os exames finais – escravos de estudo no caso de Karev que se utiliza dos internos para lhe fazerem perguntas. Todos exceto Meredith cuja parceira está ocupada demais discutindo a relação com o marido em uma terapia de casal. Preocupado, Richard resolve intervir e pedir à Callie, dona de um método ultra-mega-hiper-fantástico para passar em provas (quem não lembra da disputa por seu método nas provas do internato?), que ajude a pobre moça.

Torres não parece feliz com a idéia de compartilhar seu método com Grey, mas decide dar uma chance a ela se a residente conseguir tomar as decisões certas em um caso em que um açougueiro prendeu a mão em um moedor de carne. Apesar do motivo e das cenas forçadas entre o ex-chief Webber e Callie que levaram a essa storyline, fazia tempo que não víamos a ortopedista como a médica durona que sempre foi. Ponto para Shonda Rhimes.

Jackson está trabalhando com Mark no pré-operatório de uma paciente de Bailey para reduzir o edema de seus braços. Acontece que a tal paciente está com a saúde fragilizada após um câncer e uma bateria de outras cirurgias. Os Batman e Robin da plástica terão, então, que convencer Miranda que eles são capazes de realizar o procedimento de forma segura.

Karev anda às voltas com uma interna que ele não lembra o nome, treinando para as provas. Enquanto ele realiza seus procedimentos de rotina pelo hospital, a moça que está grávida, mas ele não sabe vai listando uma série de sintomas para ele descobrir a doença responsável por eles. Quando a interna começa a listar os próprios sintomas e desmaia na sua frente, Alex descobre que o único babaca que não sabia da gravidez e do nome da moça era ele.

Lexie resolve ajudar Amelia a convencer Derek ao menos a tentar alguma coisa. Sheperd diz que sua irmã está ligada emocionalmente à paciente e por isso não consegue ver que não pode ajudá-la. Little Grey mostra para o neurocirurgião que é ele quem está emocionalmente ligado ao caso com medo do fracasso levar Amelia novamente ao vício. Ele acaba aceitando e juntos eles descobrem que conseguem fazer o necessário no tempo adequado para salvar a paciente. A quem possa interessar, na segunda hora do crossover em “Private Practice”, os dois salvam a vida da moça não sem antes parecer que tudo dará errado. Só pra não tirar a emoção.

De volta aos residentes, Meredith mostra que não é só um rostinho bonito e tem muita cuca no lance ao decidir retirar um dedo do pé do açougueiro para substituir o polegar da mão que ele perdeu. O Ministério das Cenas Nojentas adverte: assistir a este episódio de barriga cheia pode provocar náuseas.

Avery é outro que precisa provar seu valor. Depois de conversar com a paciente e aprovar a cirurgia, Miranda aparece na SO para pentelhar Jackson e Mark. Seguindo os conselhos do mestre, o aprendiz ordena que Bailey saia da sala já que está atrapalhando. Incrédula, ela pede socorro a Sloan que apóia seu interno e ameaça: se isso voltar a acontecer, ele fará uma denúncia ao Conselho.

Depois de muito se auto-punir por ser um babaca sem coração, Karev recebe de Arizona um reconfortante conselho. Os cirurgiões pediatras são mais durões mesmo por conta da natureza do seu trabalho e ele não deve se cobrar tanto. Mas aprender o nome dos internos é o básico, ok?

Cristina e Owen ganharam um tempo com o terapeuta de casais discutindo sobre aborto, aborto, aborto e Meredith Grey. Não será fácil fazer tudo voltar a ser como antes.

Eu não estaria sendo honesto se não admitisse que falta um pouco de conflito para preencher as quase duas horas de “A Invenção de Hugo Cabret”. Durante a primeira metade do filme, especialmente, paira uma sensação de que poderia haver algo mais em jogo ali. E mesmo na (emocionante) segunda, o espectador nunca sente que os personagens estão realmente em perigo.

Mas eu também estaria mentindo se não dissesse que é quase orgásmico ver Martin Scorsese ter acesso a um orçamento de mais de US$ 100 milhões para fazer uma declaração de amor ao cinema disfarçada de Harry Potter-wannabe. Mais que isso: sentir o entusiasmo quase infantil do cineasta por trás das câmeras, se divertindo como um garoto com uma ferramenta nova para seu brinquedo favorito. Redescobrindo sua paixão pela imagem em movimento a cada novo plano, explorando uma estação de trem em Paris como se nunca tivesse filmado lugar nenhum antes.

E essa devoção pela imagem em movimento é o tema e a essência de “A Invenção de Hugo Cabret”. Não por acaso, o prólogo é praticamente um curta-metragem mudo, com direito a trapalhadas busterkeatonianas protagonizadas por Sacha Baron Cohen e closes e supercloses emoldurados pelo belo cenário. Daí em diante, o filme vai adicionando o que fez do cinema o que ele é hoje: a chegada da narrativa (trazida pela paixão da personagem de Chlöe Grace Moretz pela literatura), os diálogos, a descoberta de um grande diretor capaz de usar tudo isso – e, por fim, um crítico-cinéfilo-apaixonado capaz de dar sentido à história.

No centro dela, o menino-título e sua busca pela “anima” – a alma que dará vida a um boneco, única herança deixada pelo pai. “A Invenção de Hugo Cabret” é um filme em busca de uma alma sobre um menino em busca de uma alma. E Scorsese encontra a anima de sua obra em um dos primeiros homens que soprou vida às imagens em movimento: George Méliès.

A grande pena é que o elenco infantil responsável pelo filme até esse ato final não empolga. Asa Butterfield não está à altura do sofrimento do protagonista, um órfão que vive escondido em uma estação de trem na Paris dos anos 20 após a morte do pai. E Chlöe Grace Moretz tem seu charme, mas não consegue carregar as cenas dos dois sozinha.

A tarefa fica para o elenco adulto. E Ben Kingsley, Helen McCrory e Michael Stuhlbarg vão te levar ás lágrimas, se você nutre pelo cinema pelo menos 1/10 do amor de Scorsese. “A Invenção de Hugo Cabret” é um testamento à capacidade de inspirar e transformar da sétima arte – e, especialmente, um apelo pela preservação de sua memória. Que Scorsese consiga fazer isso em uma produção deslumbrante, com a fotografia em 3D impecável de Robert Richardson e o design de produção digno de Oscar de Dante Ferretti, é de encher de alegria e esperança o coração de qualquer cinéfilo.

Da mise-en-scène vaudevillesca dos personagens secundários aos vários cartazes e referências, “A Invenção de Hugo Cabret” definitivamente não é um filme para crianças. É um filme para provar como o cinema pode fazer de todos nós uma criança: capaz de sonhar, imaginar e acreditar de novo.

P.S.: Cuidado pra não piscar e perder a cameo hitchcockiana de Scorsese em uma das sequências mais bonitas do filme.

Por que assistir a um filme sobre beisebol? Você pode muito bem se fazer essa pergunta ao ler a sinopse de “O Homem que Mudou o Jogo”. Afinal, trata-se de um esporte desconhecido para a esmagadora maioria dos brasileiros.

E se você, como eu, não conhece as regras do jogo, não faz ideia de quem são os grandes nomes do esporte e nunca ouviu falar nos times, vai mesmo fazer o quê no cinema? Talvez apreciar uma das melhores atuações de Brad Pitt em sua carreira. Ou quem sabe se deliciar com os diálogos geniais do Aaron Sork. Assistir à direção segura do Bennet Miller? Acompanhar (mais uma) bela história real de superação?

“O Homem que Mudou o Jogo” é isso. Uma produção extremamente bem realizada, em que tudo funciona direitinho, mas… falta emoção. Talvez seja a distância do beisebol para a nossa realidade somada à escolha pelo diretor de um estilo mais distante, mas a verdade é que falta uma conexão emocional mais estreita com o protagonista vivido por Pitt.

Vamos conversar mais. Esse diálogo aqui está tão bem escrito...

Ele é Billy Beane, ex-jogador e gerente do Oakland Athletics que resolve, com a ajuda de um economista (Hill), montar um time barato baseando-se apenas em estatísticas matemáticas. A jornada (real) deste homem contra o que todo mundo queria e esperava é mostrada de maneira sóbria e interessante mesmo para quem não entende bulhufas de beisebol. Beane é a  “garotinha perdida no momento e assustada, mas que não demonstra isso” da música “The Show” da Lenka (que é de 2008, apesar do filme se passar em 2001/2002) que surge em momentos-chave da história para reforçar a situação do protagonista.

Esse homem assustado que se finge de seguro para todos é mostrado por Miller com planos fechados que ressaltam sua imponência quando está entre seus subordinados, ao mesmo tempo em que aparece isolado em planos abertos quando está sozinho. Pitt mistura empolgação, desespero, ansiedade e segurança na medida certa, ajudado pelo ótimo elenco coadjuvante.

É impressionante como o roteiro de Steven Zaillian e Sorkin consegue dar conta de apresentar tantos personagens, dando desenvolvimento e importância a cada um deles. Aquilo que poderia ser uma confusa teia de acontecimentos e relações flui de forma tranquila graças à competência de todos em saber contar uma boa história. E se tem algo que “O Homem que Mudou o Jogo” seja, é uma história bem contada.

“Reis e Ratos” é uma produção diferente. Bem diferente. A comédia dirigida por Mauro Lima (“Meu Nome Não é Johnny”) é uma grande mistura de referências literárias, cinematográficas e históricas. O filme tenta fazer um humor à beira do pastelão, com frases de efeito, bordões, tiradas rápidas e personagens caricatos. O problema é que para achar graça daquilo que atravessa a tela, é preciso um arsenal de informações que a produção em si não oferece.

A história sobre os bastidores do golpe militar que ocorreu no Brasil em 1964 acompanha um complexo plano conspiratório organizado por dois agentes da CIA (Mello e Müller) e que envolve uma cantora de boate (Mandelli), um vigarista viciado (Santoro) e um popular locutor de rádio romântico (Reymond). A história não faz muito sentido e também isso não importa. Tudo é uma grande desculpa para gerar situações engraçadas e criar personagens cativantes, como nas melhores comédias screwball.

E isso “Reis e Ratos” faz muito bem. Seus personagens são marcantes e os atores parecem estar se divertindo como nunca com os arquétipos que desfilam pela tela. Selton Mello compõe um espião que saiu direto dos filmes Bs hollywoodianos dos anos 40 e 50. E o uso de alguns atores que se notabilizaram como dubladores (ou seja, com vozes facilmente reconhecíveis pelo público) é uma grande ideia nesta brincadeira com o cinema americano.

E é aí que está o problema. Tudo parece uma grande piada interna, sem uma conexão direta com o público. Um exercício de estilo centrado em si mesmo, que só faz algum sentido para quem conhece a história recente do Brasil, curiosidades sobre a Guerra Fria, história dos Estados Unidos, filmes antigos, romances de espionagem e o visual de revistas de variedades dos anos 60. Ufa!

É muita informação prévia necessária, quase como se o filme precisasse de uma espécie de universo estendido para fazer sentido. O resultado é um dos mais curiosos e interessantes já produzidos no cinema brasileiro, mas “Reis e Ratos” acaba sendo mais uma experiência do que um produto bem acabado.

A trama confusa e os personagens estereotipados só causam risos quando se compreende o contexto e as referências que pululam a cada segundo. E piada que precisa ser explicada é porque não tem muita graça…

Margaret Hilda Thatcher estudou em Oxford, foi eleita parlamentar no final dos machistas anos 50 e se tornou não apenas a primeira mulher líder de um dos principais partidos políticos do Reino Unido, como a primeira mulher eleita primeira-ministra na Inglaterra. Além disso, fez polêmicas privatizações, governou durante a Guerra das Malvinas, sobreviveu a uma tentativa de assassinato, participou do processo de dissolução da União Soviética e foi contra a criação da União Européia. Uma vida dessas por si só justifica uma cinebiografia, e por isso mesmo é curioso que a diretora Phyllida Lloyd opte por focar “A Dama de Ferro” em uma Thatcher senil, frágil dentro de casa e dependente de todos à sua volta.

O objetivo da diretora parece ser o de estabelecer um paralelo crítico entre o poder e de antes e a velhice decadente de hoje. Mas o que talvez pudesse ser uma ideia interessante acaba por enfraquecer o filme, já que concentra a maior parte de sua narrativa no dia a dia de uma mulher solitária e perdida dentro de casa.

A prova disso é que “A Dama de Ferro” cresce todas as vezes que volta no tempo para mostrar a Thatcher política, apesar de, em nenhum momento, tornar o filme além do razoável. Lloyd mostra o passado em flashbacks muitas vezes confusos que surgem baseados nas memórias da protagonista: tudo possui um tom de fantasia, que a diretora faz questão de ressaltar através de enquadramentos tortos e cores fortes, em contraposição aos tons escuros do apartamento da Thatcher senil.

Por que a senhora aceitou fazer esse filme? Ah tá... pra ganhar a trocentésima indicação ao Oscar...

A mise-en-scène preguiçosa põe os filhos da política correndo atrás de seu carro enquanto ela vai para o trabalho (em uma tentativa óbvia de mostrá-la como uma mulher que colocou a profissão à frente da família) e chega ao cúmulo no constrangedor momento em que a luz se apaga em uma reunião de gabinete e a então ministra Thatcher é a única com uma lanterna (a “luz” para “iluminar” a política inglesa…).  Além disso, vários acontecimentos históricos aparecem na tela sem maiores explicações, pedindo do espectador um conhecimento prévio para entender tudo o que se passa.

A Guerra das Malvinas é mostrada como uma resposta da primeira-ministra aos homens que nunca a levaram a sério (como se os argentinos tivessem invadido a ilha por se tratar de uma mulher no governo inglês que não teria coragem de retaliar) e vários outros fatos ganham um viés feminista que seria bem vindo se não aparecesse de forma tão forçada e abrupta. A história acaba ficando confusa, e se não se pretendia explicar os principais momentos da vida de Thatcher, qual o motivo de se fazer a cinebiografia?

O ponto positivo, claro, é Meryl Streep. A atriz para variar faz uma composição perfeita e é a responsável por impedir um desastre total em “A Dama de Ferro”. É graças à sua interpretação que conseguimos nos identificar e sentir alguma simpatia por aquela figura que, se dependesse da direção e do roteiro, não faria sentido algum. A complexa Margaret Thatcher se tornou, nas mãos da diretora de “Mamma Mia!”, uma criatura bidimensional e cansativa, que só prende sua atenção porque se percebe o talento de Streep por trás da pesada maquiagem.

“A Dama de Ferro” não faz jus à sua biografada. E nem a Streep.

Outra semana passou-se no mundo dos quadrinhos, e desta vez os destaques – para o bem ou para o mal – são surpresas.

Para o mal temos “The Last of The Greats #5”, última edição da série da editora Image que conta a história de um mundo em que sete seres alienígenas com super poderes eliminaram o crime, a pobreza e a doença, só para acabarem sendo mortos pela população ingrata. Digo seis, não sete, porque o sétimo ficou quieto no seu canto até o começo da história, quando um representante da humanidade vem implorar pela sua ajuda contra uma invasão alien a la “Independece Day”.

A série em geral foi bem decepcionante, com uma arte fraca e uma trama meio genérica e extremamente rasa – isso sem mencionar a predileção do roteirista Joshua Hale Fialkov por cenas chocantes ao invés de conteúdo, o que fica bem demonstrado pelo estupro gratuito do protagonista pelo análogo do Superman na última edição.

O número 5 só vem comprovar o desperdício de tempo e dinheiro do leitor, já que encerra a história com um cliffhanger, prometendo covardemente a resolução em uma futura publicação. Toda a minissérie poderia ter sido resumida em apenas uma edição, sem nenhuma perda.

Para o bem temos, ironicamente, “New Mutants #37”. Ironicamente porque é a edição em que a heroína mutante Magma sai em um encontro com Mefisto, o próprio diabo do universo Marvel. E é uma edição perfeita em cada aspecto de sua execução.

A arte de David López atinge aqui o seu auge, canalizando o melhor de grandes artistas como Paul Pope e Frank Quitely, mas sem a esquisitice que faz com que eles não sejam tão apreciados pelo público mais leigo. Se López continuar evoluindo nesse ritmo, ouso prever que ao final do ano será um dos principais artistas da Casa das Idéias.

E o roteiro não fica aquém das ilustrações, com os sempre divertidos Dan Abnett e Andy Lanning provendo uma das suas melhores narrativas, e adicionando uma camada extra bem sutil ao personagem de Mefisto. Logo as igrejas evangélicas vão começar a perseguir esses caras, se souberem que eles conseguem fazer a gente ver que o diabo até que não é um cara tão mau assim*.

Pontos de bônus para a dupla de autores conhecida como DnA (“Dan and Andy”), por terem acertado nos diálogos em português do mutante brasileiro Mancha Solar.

*Brincadeira. A maioria dessas igrejas já acha que quadrinhos em geral é coisa do diabo, então não vai fazer muita diferença.

Born in the USA? Born This Way?

Ao bater os olhos na capa do álbum de estreia de Lana Del Rey, é impossível não se lembrar de Lady Gaga. Enquanto uma canta que nasceu assim, a outra canta que nasceu pra morrer.

Curioso é o fenômeno “Lana Del Rey: é legal odiar”. A bela moça de 25 anos (uma idade tardia para o debut no pop contemporâneo) alcançou, enfim, o estrelato. Ela batalhou por isso. Antes de ser Lana Del Rey era Elizabeth Grant ou Lizzy Grant. Mas sua carreira não deslanchou. Seu empresário, David Sneddon propôs a troca de nome e, dizem, o silicone na boca. É por isso que as pessoas amam odiá-la? Porque ela assume o papel de um produto?

Lana Del Rey revelou que seu primeiro álbum fala sobre as busca pela fama. Lady Gaga, Ke$ha e outras também começaram assim. Qual é, então, o problema com ela?

“Born to Die” é bastante interessante. A começar pela sonoridade indie, trip-hop sugerida pelo empresário e pelos produtores (Justin Parker e Robopop). Ela não reconhece o rótulo indie em seu som. Para ela, sua música é pop. Assim como duas de suas influências (declaradas).

Uma delas é Britney Spears. O CD transborda sensualidade, principalmente nas letras, que remetem a uma Britney low-fi-noir em “Blue Jeans”, “Carmen” e “Summertime sadness”. Em “Video games”, Lana encarna uma namorada que tenta a todo custo chamar a atenção do namorado. Mais Britney impossível.

Outra influência é Bruce Springsteen. Mesmo sem a energia de seus rocks, nota-se a inspiração pelo clima ‘road movie songs’.  A própria faixa-título é assim, tal qual as charmosas “Off to the races” e “National Anthem”.

Em diversos momentos, a música de Lana Del Rey nos remete a Nancy Sinatra pelo timbre da voz, Portishead e Massive Attack pelas batidas de trip hop. Uma galera de alto nível, na qual Lana não enxerga referências. É o que ela diz. Por esse motivo, não se sabe ao certo de quem é o mérito por Born to Die.

Se a mão do empresário e dos produtores pesou tanto ou se isso é apenas Lizzy Grant querendo ser blasé só saberemos depois da prova do segundo lançamento, outro assunto que Lana Del Rey desconversa por enquanto. Agora que o sucesso chegou, ela não vê razão (pelo menos por enquanto) para compôr novas canções. Ah, se Lady Gaga também tivesse pensado assim.

Born Today